![]() |
Fotografia de Shawn Miller/Library of Congress (Font) |
https://www.vilaweb.cat/noticies/mort-ngugi-wa-thiongo-gegant-literatura-africana/
Un blog sobre la meva passió per la lectura i d'altres coses que m'agraden, m'interessen o, en determinats moments, em criden l'atenció. El títol és per aquell personatge que vivia a l'ombra dels grans herois, quan encara tenia tantes coses per aprendre.
![]() |
Fotografia de Shawn Miller/Library of Congress (Font) |
Zurbarán (sobre)natural és una exposició que es pot visitar al MNAC fins a finals de juny. El museu presenta la restauració que s'ha realitzat recentment d'una obra de la col·lecció, Sant Francesc segons la visió del papa Nicolau V de Francisco de Zurbarán, juntament amb les altres dues versions del quadre, una procedent del Museu de Belles Arts de Boston i l'altra del Museu de Belles Arts de Lió. A més de les tres versions del quadre, exposades l'una al costat de l'altra, se'ns ofereix una petita mostra de la pintura de l'autor, juxtaposada amb obres d'art d'autors catalans contemporanis, algunes creades expressament per a l'exposició.
La visió del papa Nicolau V és una llegenda sense base històrica, que relata la suposada visita per part del papa, al segle quinze, al cadàver incorrupte de sant Francesc d'Assís, exposat per a l'ocasió dempeus dins d'una fornícula i il·luminat amb una espelma. A diferència d'altres interpretacions pictòriques de l'època també presents a l'exposició, que representen l'episodi al complet, amb el sant en escena i els espectadors contemplant-lo, Zurbarán escull presentar-nos només el sant dins la seva fornícula, sense altre context que la llegenda, que devia ser coneguda per als espectadors de l'època. Per tant, el pintor ens situa en la posició del papa Nicolau, i ens convida a recrear l'escena de contemplació del prodigi, aquest cop davant del quadre.
La proposta és francament original: si el Barroc és un moviment artístic caracteritzat per la teatralitat, aquí Zurbarán porta la idea a un altre nivell fent-nos entrar a nosaltres a escena, un trencament de la quarta paret que pot passar per alt si no coneixem prèviament el relat. El MNAC, a més, fa un pas més enllà posant els tres quadres junts, en un efecte multiplicador que se m'ha fet un pèl alienador, i no sé si convida més a la contemplació mística o a una mena d'inquietud fruit de desnaturalitzar-ne el context. És clar que tampoc traeix la intenció de l'original, segons la qual la visió d'un cadàver que sembla viu havia de portar a una experiència de contacte amb el transcendent.
Des d'aquest punt de partida, la mostra ens porta a través del diàleg entre art contemporani i art barroc, de forma que ambdós exploren els punts de contacte entre immanència i transcendència, entre materialitat i espiritualitat. La mostra convida a reflexionar sobre el caràcter paradoxal de la matèria i la seva representació artística, en una negociació constant entre el decaïment i la permanència: un cadàver que no es corromp, uns codonys que sí, uns atuells de cuina que són exposats a la mirada del públic amb la solemnitat que es dedica a l'art sacre o, per exemple, l'hiperrealisme del llenç que reprodueix Zurbarán a La santa Faç en contrast amb el rostre desdibuixat, quasi eteri, del Crist que s'hi exposa. De les propostes contemporànies en destacaria Maria (a Francisco Zurbarán) d'Eulàlia Valldosera, una instal·lació lumínica a partir de projectors i objectes quotidians tradicionalment associats a les dones (atuells i pots de detergent) que produeix una imatge ombrívola i inquietant, reminiscent de les mares de déu presents a la iconografia catòlica.
L'exposició ens mostra el Barroc en acció més que explicar-nos-el, i parteix d'un plantejament molt original, que crea una mirada particular sobre les obres exposades i, en aquest sentit, té quelcom d'immersiu. M'hi ha faltat un punt de contextualització històrica, perquè l'accent en el misticisme i la transcendència de la matèria no hauria d'ocultar, al meu parer, l'enorme poder material de què gaudien l'església catòlica i els ordes religiosos durant el segle disset, i des del qual comissionaven totes aquestes obres en el marc ideològic de la Contrareforma.
"Ets una persona molt iracunda, eh?". Vaig notar l'espant i la compassió en aquella veu. Potser hauria d'haver respost alguna cosa que la tranquil·litzés; potser ho havia d'haver negat. Però no ho vaig fer. "I tant. Què esperava, doncs?", vaig dir.
Lucy, publicada per primer cop el 1990, és una de les novel·les més conegudes de l'autora antiguana Jamaica Kincaid. La novel·la ens narra les desventures de Lucy, una adolescent antiguana que es trasllada als Estats Units a finals dels anys seixanta per treballar de mainadera per a una família acomodada. La seva veu en primera persona es mostra profundament enrabiada amb el món i amb les vicissituds que li ha tocat viure, especialment amb la seva mare, amb qui manté una relació d'amor-odi molt intensa. D'entrada, la font del seu malestar i el seu odi pel món que l'envolta se'ns descriu en termes polítics: la seva situació com a súbdita d'una terra colonitzada i pobra li crea un xoc cultural molt fort quan arriba a una societat privilegiada que l'observa des d'un paternalisme inconscient. En Lewis i la Mariah, la parella que la contracta perquè cuidi les seves quatre filles, es presenten a ulls de la Lucy com a una imatge de perfecció i bellesa immaculades; tanmateix, ben aviat començarà a veure com la imatge de conjunt és força més complexa i serà testimoni privilegiat de l'enfonsament d'una relació aparentment idíl·lica.
La novel·la és particularment efectiva perquè es basteix a través del contrast, i la Lucy, com a protagonista, és l'únic personatge que ha tingut accés privilegiat als dos móns i per això en pot esdevenir jutge desapassionat. Els familiars que la Lucy deixa enrere a Antigua tenen una visió del món tancada i conservadora, fruit de la pobresa i la manca d'oportunitats a què es veuen lligats. El masclisme imperant a la seva societat lliga la Lucy a una doble discriminació que no serà capaç de perdonar: a més de veure's víctima de la pobresa, com la resta dels seus semblants, també haurà de veure com se li neguen les expectatives socials i les oportunitats d'educar-se i progressar que esperen els homes. D'altra banda, el món dels Estats Units resulta no ser el paradís somiat que se li prometia: les famílies privilegiades que coneixerà despleguen una hipocresia i un paternalisme punyents que s'amaguen rere una façana de progressisme. Són autènticament reveladors els moments en què en Lewis i la Mariah la inunden amb mostres de generositat i benevolència que ella no pot correspondre perquè sap que es troba en una posició subalterna i ha de mantenir el seu amor propi per sobre de tot.
Tot i així, aquesta doble opressió que sent, com a desplaçada respecte a la seva terra natal i com a nouvinguda o estranya al món dels blancs, anirà revelant diverses aliances i complicitats que afegiran complexitat a la imatge de conjunt. Quan es comença a fer palesa la crisi matrimonial a la llar dels seus patrons, la Lucy prendrà partit per la Mariah, a qui començarà a veure com una figura materna en substitució de la mare antiguana que odia. D'aquesta forma, la traïció del marit representarà la traïció de tots els homes que coneix que no han estat a l'alçada, entre ells també el seu pare, un personatge que queda força desdibuixat de la novel·la però que s'intueix pel context que ens en dóna la protagonista. Així doncs, Kincaid ens va dibuixant un món de relacions de poder i de subordinació que gira al voltant dels eixos masculí-femení, colonitzador-colonitzat, blanc-negre i autòcton-estranger. Per exemple, són especialment colpidors els episodis en què Lucy es refereix al famós poema dels narcisos de Wordsworth, que per als blancs té una connotació de bellesa pura i innocent, però que per a ella té un significat totalment diferent; o la impotència amb què rep els comentaris dels blancs que han visitat la seva illa com a turistes, i la descriuen com un paradís exòtic i abellidor, quan ella no ha pogut ni tan sols sortir del seu poble.
No serà fins al final de la novel·la que la narradora ens anirà descobrint les motivacions més profundes de tota la seva ràbia i la seva frustració, de forma que la seva veu arbitrària anirà prenent matisos a mesura que avanci la lectura. De fet, Kincaid ens ofereix el retrat d'una jove en procés de formació, que és molt lúcida respecte de la seva situació a causa de la duresa de les experiències que ha viscut, i que es veu en la necessitat de fugir sempre endavant, marcant els seus propis termes en les relacions que estableix amb els altres. És per això que el seu sentit de llibertat la farà establir relacions amb diversos homes sense arribar-se'n a enamorar, i que consumeix una rere l'altra per omplir el buit de la seva tristor i el seu desarrelament amb una nova sensació de control de la seva pròpia vida. Cap al final de la novel·la veurem la subtil evolució de la protagonista que, si bé no haurà canviat essencialment la seva situació vital i material, començarà a prendre decisions per si mateixa i s'analitzarà amb un sentit de creixent autoconsciència.
Lucy és una novel·la molt breu però que, tot i així, planteja una reflexió profunda sobre les desigualtats i les ferides obertes que s'estableixen en un context marcat per la colonització. És també una novel·la de creixement, en què veiem l'evolució de la protagonista, però el desenllaç ens la deixa encara en un estadi primigeni, a les portes de l'edat adulta. El relat està escrit en un llenguatge molt planer, que dona els detalls justos perquè els lectors puguem anar traient les conclusions per nosaltres mateixos i que té una forma molt curiosa de frustrar les expectatives que en puguem anar formant a través de la lectura. M'ha semblat una novel·la molt recomanable en la seva claredat i eloqüència, i m'ha deixat amb ganes de conèixer altres obres de Jamaica Kincaid.
Sinopsi: A dinou anys, Lucy deixa la seva Antigua natal per anar a treballar de mainadera als Estats Units, on l'ha contractada una família blanca d'idees progressistes. De bon principi la Lucy se sent frustrada i insatisfeta amb la seva nova vida, però a la vegada decidida a no mirar enrere cap a la vida del passat i a no contestar cap carta de la seva mare, a qui odia. A mesura que vagi construint la seva nova vida, haurà d'anar afrontant les ferides obertes del colonialisme i el racisme de la societat en què s'ha criat, i la incomprensió i el paternalisme amb què la tracten els seus nous amos.
M'agrada: M'ha semblat una novel·la molt completa i molt ben travada en la seva brevetat.
No vull pensar en les nenes ni en l'àvia: elles sí que sabem com les han mortes, però no ho vull pensar ni escriure. El meu pare és un poeta. No dic era, perquè els poetes duren sempre.
Quadern d'Aram va ser l'última novel·la que l'autora osonenca Maria Àngels Anglada (1930-1999) va publicar, dos anys abans de la seva mort. És una autèntica obra mestra de la literatura catalana més recent, i mostra la inquietud de l'autora per donar una sortida literària a la qüestió de la memòria històrica, i la lluita perquè els crims contra la humanitat no caiguin en l'oblit. La novel·la narra, d'una forma extremadament desencaixada i poètica, el testimoni dislocat i profundament traumatitzat de Marik i Aram, una mare i un fill armenis que aconsegueixen salvar-se per una trista casualitat de la massacre que pateix el seu poble. La cruel mort que patiren l'àvia, el pare, i les dues germanes petites d'Aram és una càrrega que mare i fill hauran d'anar arrossegant durant la resta de les seves vides i, encara que puguin arribar a reconstruir-les amb un profund sentit de dignitat i resiliència, marcarà la seva existència posterior amb els fantasmes del desarrelament, la identitat nacional desplaçada, el sentiment d'impunitat dels botxins i la indiferència de la resta del món.
El genocidi armeni és una taca al cor d'Europa precisament perquè es troba al naixement de les seves fronteres actuals: d'aquí la polèmica sempre contínua amb el seu reconeixement legal i el negacionisme oficial per part de l'estat turc. La facilitat amb què el genocidi va caure en l'oblit, després d'una onada d'indignació que va sacsejar una Europa en guerra, va ser un precedent perillós que després conduiria al sentiment d'impunitat amb què els nazis van endegar l'extermini dels jueus europeus. Hitler s'hi va referir explícitament. En els temps que vivim avui dia, en què es naturalitza el negacionisme respecte al genocidi contra el poble palestí, per exemple, i es generalitza la indiferència com a anestèsic per a una atrocitat que esborra de la memòria la immediatament anterior, un text com el Quadern d'Aram es fa més rellevant que mai.
El genocidi del poble armeni va tenir lloc entre els anys 1915 i 1916, quan els governants de l'imperi otomà, havent entrat a la primera guerra mundial, van témer que els armenis fessin valdre les seves reivindicacions nacionals alineant-se amb els seus enemics. L'abril de 1915 els líders turcs van ordenar l'empresonament i deportació dels homes armenis de professions liberals: va ser una persecució massiva de metges, escriptors, professors, periodistes, editors, advocats, empresaris, sacerdots i polítics, que posteriorment van ser torturats i assassinats per la policia turca. Aquest va ser el tret de sortida de les deportacions i assassinats massius, les marxes de la mort cap al desert sirià, i la islamització forçosa i l'explotació sexual de les dones i nenes supervivents, que van portar a la desaparició i mort d'un milió i mig de persones durant aquests dos anys. Va ser la primera vegada que Europa afrontava una onada massiva de refugiats d'aquestes dimensions, que van ser acollits principalment a Grècia, des d'on van emigrar a altres països, una gran part als Estats Units. Marik i Aram aconsegueixen unir-se a un comboi de refugiats i embarcar amb rumb a Marsella, on s'establiran per iniciar una nova vida.
Anglada recrea aquest patiment inefable amb una aposta extraordinària per la sobrietat de la paraula justa, i un ritme narratiu accelerat i alhora sinuós, que aclapara i corprèn a cada pàgina sense arribar a insensibilitzar els lectors en cap moment. Sense atapeir la narració amb detalls ni sentimentalisme que no haurien aportat res a la lectura, Anglada ens ofereix les entrades del diari conjunt de Marik i Aram, que sonen profundament versemblants perquè són esparses, entretallades, i extremadament reticents, de forma que els lectors hem d'anar reconstruint els fets entre evasives, salts narratius i l'aposta dels personatges per reconstruir-se la vida futura. Els episodis de violència se'ns aniran descobrint poc a poc i de forma força concisa, fins que la novel·la culminarà amb el relat de la mort del pare d'Aram, inspirat en la figura històrica del poeta Daniel Varujan (1884-1915) i el testimoni verídic del seu assassinat. Anglada troba un bon equilibri, així doncs, entre la historicitat dels fets narrats i la invenció literària, i aconsegueix remarcar especialment la rellevància d'aquest episodi en concret de la història traçant-hi connexions a través de tot el mediterrani i assenyalant-ne ressonàncies a través de la història d'Europa.
Un dels punts més forts del text, m'ha semblat, és la intertextualitat que Anglada crea per al seu propi text, que s'aguanta tan bé, precisament, perquè recorre a la veu dels poetes armenis, a la cultura popular armènia i els documents històrics reals de l'època, per donar a la novel·la una versemblança totalment efectiva. L'autora es va arribar a imbuir de la cultura relatada, gràcies a l'ajut de la traductora Maria Ohannesian i les traduccions anteriors dels poemes armenis al francès i al català. Anglada també crea una connexió catalana per al diari extraviat d'Aram: ens el fa arribar a través d'una família grega autèntica establerta a Cadaqués, i els descendents de la qual Anglada va arribar a conèixer. Així doncs, la novel·la aconsegueix un equilibri magnífic entre la sobrietat periodística, el testimoni de l'experiència personal, i el lirisme corprenedor de la poesia nacional armènia.
L'autora ens retrata la història del genocidi armeni com a relat essencialment mediterrani, i l'omple de referències literàries a l'antiguitat clàssica. Tanmateix, lluny de conformar una odissea, un retorn a casa, el viatge traumàtic dels protagonistes esdevé el de la pèrdua d'una llar i d'uns éssers estimats que no es podran recuperar mai més i que, per tant, creen en els supervivents el deure de preservar la memòria i la identitat. El mar esdevé una metàfora que s'estén pel text sencer, no del retorn, sinó de la memòria dolorosa i reprimida que els supervivents han d'afrontar sota el risc de perdre la seva pròpia identitat. Amb una lògica quasi freudiana, Aram s'hi submergeix voluntàriament, en un clar contrast amb la cruel mort de l'àvia i les germanes, i espera fer del mar el seu mitjà de subsistència amb l'esperança adolescent de poder-ne sortir il·lès. La contigüitat entre l'accident d'Aram i la descoberta del destí del seu pare és un toc magistral per part d'Anglada que reforça plenament aquesta lectura metafòrica. De la mateixa manera, el descobriment, al principi de la narració, del derelicte grec i l'estàtua d'Afrodita per part d'Aram i Iorgos apunten al deure de mantenir viva la cultura i la tradició que ens arriba com a llegat. Aquests déus mediterranis, silenciats i corpresos per la cavalcada triomfal de la història, ja no ens rescataran mai més de la desferra, malauradament, però ara som nosaltres que tenim el deure d'anar-los a buscar al fons de l'experiència i de la memòria humanes per tal de poder fer-nos-en casa.
Sinopsi: Quan Marik i el seu fill adolescent Aram s'acomiaden de la seva família per emprendre un pelegrinatge religiós cap a l'interior del país, ignoren que no tornaran a veure mai més l'àvia, ni el pare, ni les dues germanes petites. Les autoritats otomanes han ordenat la deportació massiva i l'assassinat dels ciutadans armenis que havien tolerat tradicionalment dins del seu territori. A través de múltiples penalitats, Marik i Aram aconsegueixen arribar com a refugiats a Grècia, des d'on hauran de començar de nou amb les seves vides arrossegant el trauma de la pèrdua de la llar i l'assassinat dels seus éssers estimats.
M'agrada: Anglada crea una novel·la concisa i completa sobre uns fets que no haurien de deixar ningú indiferent.
El camí és obert perquè hi hagi millors poetes que Homer i millors governants que Cèsar. Cap límit no ha estat concebut per als crims i la insensatesa. Això també em dóna esperança i ho qualifico de misteri. Això també m'impedeix arribar a cap conclusió sumària sobre la nostra condició humana. Allà on trobem l'inconegut, també hi trobem promesa.
Els idus de març és una novel·la històrica de l'autor estatunidenc Thornton Wilder (1897-1975) que es va publicar el 1948. Wilder ens hi demostra, un cop més, la seva magnífica habilitat per recrear èpoques passades i portar-les al present dels lectors amb una sensibilitat acuradíssima per al detall i per a l'anècdota, i amb una immediatesa realment corprenedora a l'hora de llegir. La novel·la recrea els últims mesos de la vida del Dictador de la República romana, Juli Cèsar, abans del seu assassinat. Tanmateix, com l'autor mateix ens adverteix al prefaci, ens trobem davant d'una recreació fantasiosa i fictícia, en què juga amb la historicitat dels fets i se n'inventa detalls lliurement. El plantejament consisteix a transportar al tombant entre els anys 45 i 44 aC uns fets que havien tingut lloc uns dotze anys abans: els de la profanació dels rituals de la Bona Deessa, que van comportar la caiguda en desgràcia de Clòdia Pulcre i el seu germà Publi, i van conduir al divorci de Cèsar i la segona esposa, Pompeia. Propis d'aquesta època són també el suposat afer amorós entre Clòdia i el poeta Catul, immortalitzat a través dels seus poemes, i la invectiva de Ciceró contra els Pulcre, que va augmentar la seva fama com a orador. A tots aquests esdeveniments que ja havien transcorregut anys abans de l'assassinat de Cèsar, s'hi afegeixen elements que sí respecten la cronologia real dels fets: la visita de Cleopatra a Roma, el tercer matrimoni de Cèsar amb Calpúrnia, i el desenvolupament de la conspiració per assassinar-lo, que culminaria amb l'atemptat mortal el dia de les idus de març.
Una de les parts més curioses de la novel·la és la forma com està construïda i estructurada: el relat ens ofereix una trama polifònica en què diversos personatges expliquen tots aquests esdeveniments en primera persona a través de les seves cartes, apunts i diaris. El resultat final és un recull heterogeni de diversos textos que es van interpel·lant els uns als altres des de diversos punts de la narració, de vegades fins i tot a través de crides d'uns documents a uns altres de posteriors, que segueixen una numeració determinada. Els textos a més, s'agrupen temàticament, més que no pas amb un criteri narratiu, en quatre blocs: el llibre primer se centra en la política i ens presenta gran part dels personatges; el llibre segon gira al voltant de l'amor; el tercer segueix el fil conductor de la religió; i el quart ens ofereix un fascinant diàleg carregat de dobles sentits i dobles intencions entre Cèsar i Brutus, i anirà apujant la tensió a mesura que ens apropem al desenllaç final. Per si no n'hi hagués prou, les quatre parts cobreixen principalment els mateixos fets, però cada bloc comença en un moment anterior i acaba en un moment posterior que el bloc immediatament anterior. Tot i així, la llargada dels blocs va decreixent, de forma que l'efecte que produeix a l'hora de llegir és que el temps es dilata cap al principi de la novel·la i es contreu a un ritme vertiginós així que ens apropem al final.
És una aposta molt agosarada i, d'altra banda, molt efectiva per part de l'autor: si un relat històric d'aquestes característiques no ens oferiria a priori cap mena de suspens, ja que és ben conegut, Wilder aconsegueix narrar-lo imprimint-li un sentit de tensió i urgència creixents, i ens desplega una sèrie de conflictes creuats entre tots els personatges implicats que cal seguir amb molta atenció per no perdre'n detalls pel camí. En especial destaquen les caracteritzacions psicològiques dels personatges, que ens arriben en primera persona, però també a través dels punts de vista dels altres, de forma que retrats que en resulten queden rics i plens de matisos, però a la vegada romanen tremendament subjectius. En especial destaquen el protagonista, Juli Cèsar, polític pragmàtic i estrateg, però inclinat a la malenconia i els vagareigs filosòfics; el poeta Catul, que ofereix una imatge tràgica d'apassionament i desesperació; i la reina Cleopatra que, tot i ser un personatge secundari, esdevé una presència fascinant i lleugerament ominosa al llarg del relat.
Sinopsi: Durant els darrers mesos de l'any 45 aC i el principi del 44, se succeeixen una sèrie d'esdeveniments de caire polític, religiós i amorós que tindran una rellevància crucial per al curs de la història: mentre es preparen nombroses conspiracions contra la vida de Cèsar, el dictador vitalici de Roma, el poeta Catul es mor d'amor per la seva estimada Clòdia, les patrícies romanes preparen les cerimònies de la Bona Deessa amb gran solemnitat, i la reina Cleopatra d'Egipte es presenta de visita a Roma per fer valdre les seves pretensions polítiques.
M'agrada: M'han agradat especialment els moments més filosòfics del text, sobre la naturalesa de les relacions polítiques i el lideratge, i l'ambigüitat intencionada amb què Wilder revesteix la figura del dictador: a una llum més favorable o més desfavorable en funció de qui en faci el retrat, inclòs ell mateix. El recurs al remitent misteriós de Cèsar, que en rep les cartes però no pot contestar-les, m'ha semblat força ben trobat.
No m'agrada: Tot i l'originalitat de la novel·la i la seva aposta formal, m'ha semblat que desaprofita una mica la darrera de les trames, la de la conspiració i l'assassinat, i la resol de forma força precipitada i abrupta.
Un poble o una classe desconnectats del seu propi passat són menys lliures per escollir i actuar com a poble o classe que els que han estat capaços de situar-se dins la història. Per aquest motiu - i només per aquest motiu - tot l'art del passat ha esdevingut una qüestió política.
Aquest assaig del crític d'art britànic John Berger (1926-2017) es va publicar el 1972 arran d'una sèrie de televisió documental produïda per la BBC aquell mateix any, i que va resultar tot un èxit entre el públic i una revelació per als estudis crítics sobre l'art. Berger i el seu equip hi revelen una connexió fonamental que al llarg de la història de l'art ha romàs oculta a través de mistificacions i idealitzacions sobre el significat en majúscules de l'art: que l'art occidental, a través de la història, és fruit d'un context material molt concret, el de les relacions de poder, en especial amb l'adveniment del sistema capitalista i el concepte de propietat. Així doncs, mentre que des del punt de vista de les institucions pot semblar una representació objectiva d'uns fets o d'una situació, el que en realitat se'ns està mostrant és un punt de vista, una manera molt concreta de mirar i de veure la realitat social i política que ens envolta.
El llibre està dividit en set capítols, tres dels quals són íntegrament material visual que els lectors han d'interpretar a la llum dels assajos. Els altres quatre capítols són assajos centrats en diferents temes que es van interconnectant entre ells. A través de l'argumentació, Berger va demostrant com el passat ens ofereix, a través de les seves imatges artístiques, un discurs determinat dirigit a perpetuar i justificar la posició dels poderosos sobre els pobres i desposseïts, que han de romandre submisos i obsequiosos amb els seus benefactors si no en volen sortir perdent. D'aquesta forma, ens introdueix a una manera d'interpretar el llenguatge visual de les arts plàstiques, que avui dia potser ja tenim una mica millor assumida però que a l'època en què Berger escrivia encara era un llenguatge totalment desconegut. A través d'alguns exemples, Berger ens demostra com el discurs dominant a la crítica d'art anava precisament a camuflar aquestes relacions de poder desiguals, i a presentar l'estètica i el gaudi de l'art com a regions de puresa ideològica i de neutralitat intel·lectual. Berger basa una part de l'argumentació en la filosofia de Walter Benjamin sobre l'obra d'art, ja que la seva reproductibilitat n'ha causat també una democratització del discurs interpretatiu.
Ara bé, el revers fosc d'aquesta democratització de la propietat i la cultura material és que ens ha transformat en consumidors abans que en subjectes, i el llenguatge de la publicitat ha acabat colonitzant la funció de perpetuador de l'estatus social que ocupava l'art per encàrrec al llarg de la història. Mentre que la pintura a l'oli arriba a un punt culminant de representació de l'estatus econòmic, acompanyant l'ascens de la burgesia com a classe dominant, la publicitat crea una il·lusió de satisfacció permanentment ajornada cap a un moment futur, i gràcies a aquesta operació mental que opera en els espectadors aconsegueix paralitzar l'acció política i la realització d'una democratització completa. L'autor aconsegueix crear totes aquestes connexions ideològiques amb una argumentació sòlida i extremadament concisa, que en tot moment recorre al suport visual de les imatges proposades com a exemple de les operacions mentals i polítiques que està descrivint. Si bé el tipus de material visual que proposa a l'últim capítol és més fruit de la cultura impresa als diaris i revistes de l'època, i avui dia n'hauríem de buscar equivalents a la cultura digital, el raonament continua encara vigent, i és indiscutible que Ways of Seeing és un clàssic i va posar les bases per entendre la història de l'art en clau contemporània.
Continguts: El llibre conté set assajos o capítols, tres dels quals - els parells - consten tan sols de material visual que els lectors han d'interpretar a la llum dels textos dels altres capítols. El capítol 1 planteja la qüestió de la interpretació de l'art com a perspectiva i punt de vista sobre una realitat material i un context històric concrets, i denuncia el discurs tradicional que pretenia justificar una determinada visió de l'obra d'art, amagant el rerefons capitalista que acompanya la producció i consum de determinades imatges. El capítol 3 fa una reflexió sobre la representació del gènere a través de la història de l'art i planteja la famosa qüestió de la "mirada masculina": com al llarg de la història de l'art l'exposició dels nus femenins ha contribuït a la perpetuació de l'estereotip del poder masculí i la submissió femenina, que representa la dona com a objecte de gaudi i possessió per part de l'home adinerat. El capítol 5 analitza la consolidació de la pintura a l'oli com a forma dominant en l'art occidental a partir del segle disset, i la relaciona amb l'aparició del mercat de l'art, l'eclosió del colonialisme i l'aspecte performatiu de l'exposició de riquesa, propietat i estatus social. Finalment, el capítol 7 analitza la continuïtat que suposa el món de la publicitat en el present respecte dels codis visuals que instaurava la pintura a l'oli, i analitza les similituds i les diferències entre totes dues formes de representació.
M'agrada: La forma com el text i la imatge es necessiten mútuament per reforçar l'argumentació, en especial certs exemples històrics que aporta Berger a l'explicació i que contribueixen a una exposició d'idees francament eloqüent i entenedora.
![]() |
Imatge de Freepik |